Le musée Picasso, situé dans l'Hôtel Salé, rue de Thorigny, dans le quartier du Marais à Paris, est le Musée d'Etat français dédié à l'œuvre de l'artiste espagnol Pablo Picasso (1881-1973). Le musée abrite une collection de plus de 5 000 œuvres d'art, comprenant des peintures, des sculptures, des dessins, des céramiques, des estampes, des gravures et des carnets, ainsi que des dizaines de milliers de pièces d'archives provenant du répertoire personnel de Picasso. Cela inclut les archives photographiques de l'artiste, ses papiers personnels, sa correspondance et ses manuscrits d'auteur.
Le bâtiment qui abrite la collection, connu sous le nom d'Hôtel Salé, a été construit entre 1656 et 1659 pour Pierre Aubert, seigneur de Fontenay, un collecteur d'impôts qui s'est enrichi en collectant la gabelle ou la taxe sur le sel. Il s'agit d'un hôtel particulier considéré comme l'un des plus beaux du quartier du Marais. Au fil des siècles, il a changé de propriétaires à plusieurs reprises, abritant notamment l'Ambassade de la République de Venise en 1671, puis François de Neufville, duc de Villeroi. Pendant la Révolution française, il est exproprié par l'État, puis transformé en école en 1815, où Balzac a étudié. En 1829, il accueille l'École Centrale des Arts et Manufactures, ainsi que l'École des Métiers d'Art de la ville. Acquis par la Ville de Paris en 1964, il est classé monument historique en 1968. L'Hôtel Salé a été choisi pour abriter le musée Picasso après un débat controversé au niveau municipal et national.
La collection du musée Picasso s'est formée au fil des ans. En 1968, la France a créé un dépôt légal pour les œuvres de Picasso, ce qui a permis à l'État d'acquérir de nombreuses pièces de l'artiste. Une grande partie des œuvres exposées au musée ont été données par la famille de Picasso après sa mort, conformément aux souhaits de l'artiste, qui a vécu en France de 1905 à 1973. Ce fut la fameuse “dation” Picasso, nouvelle loi permettant de régler l'impôt sur l'héritage en oeuvres d' art. Régi par la loi du 31 décembre 1968, puis entré en application en 1972, le système de la dation permet le paiement - à titre exceptionnel - des droits de succession et de mutation ainsi que de l'impôt sur la fortune. Cette procédure a ainsi permis la création du musée Picasso à partir des œuvres remises en dation par les héritiers de l'artiste, mort en 1973.
Le musée abrite des chefs-d'œuvre de Picasso, offrant aux visiteurs un aperçu complet de son évolution artistique. Des peintures emblématiques telles que "Paul en Arlequin" (1924), "Autoportrait" (1901), "Portrait de Dora Maar" (1937), et "Deux femmes courant sur la plage" (1921) font partie de la collection du musée. Lieu incontournable pour les amateurs d'art et les passionnés de l'œuvre de l' artiste, le musée Picasso propose une collection impressionnante d'œuvres d'art et d'archives, offrant ainsi une immersion unique dans la vie et l'œuvre de l'un des plus grands artistes du XXe siècle.
L’exposition permanente permet un aperçu de tout le processus créatif de Pablo Picasso sur tous les supports, peinture, sculpture, gravure, collage et dessin.
L’Hôtel Salé propose un parcours à travers les périodes toujours renouvelées de la création picassienne : la période bleue, la première qui marque sa singularité et son fameux autoportrait de 1901, la période rose – ses figures d’Arlequin dont le portrait de son fils déguisé -, le cubisme, le surréalisme, les peintures « de guerre », les années pop du milieu du siècle, au « Matador » du début des années 70 et le retour aux références classiques, à peine 3 ans avant son décès.
Sa collection personnelle exposée au 2eme étage de l’Hôtel Salé a été composée au gré de ses achats, d’échanges de toiles et de dons. Elle regroupe ses inspirations et ses goûts, des masques d’autres continents, des objets et des sculptures, des dessins et des toiles d’artistes d’envergure comme Corot, Modigliani, Renoir ou Miro.
Cette période a été marquée par un drame personnel dans la vie de l'artiste, qui a eu un impact profond sur son travail et son état d'esprit.
En 1901, Picasso apprend le suicide de son ami Carlos Casagemas. Ce tragique événement plonge Picasso dans une profonde mélancolie, et il commence à créer une série de tableaux teintés de bleu, une couleur symbolisant sa tristesse et sa solitude. Un exemple emblématique de cette période est l'œuvre "L'Autoportrait bleu" datant de 1901, conservée dans ce musée
Pendant la période bleue, Picasso vit dans une grande précarité économique, ce qui se reflète également dans ses peintures. Les personnages dans ses œuvres de cette époque sont souvent des marginaux, des vagabonds, des aveugles et des mendiants. Les scènes sont empreintes de tristesse, de solitude et de désespoir. Les tons froids de bleu et de bleu-vert dominent ces peintures, renforçant l'atmosphère de mélancolie.
En plus des peintures, Picasso produit également des dessins érotiques représentant les habitantes des maisons closes qu'il fréquentait à l'époque. Ces dessins témoignent de sa fascination pour le monde interlope et de son exploration de la sexualité et de la sensualité.
La période bleue marque une étape importante dans le développement artistique de Picasso, préparant le terrain pour les périodes artistiques ultérieures, telles que la période rose et le cubisme. Elle témoigne de la capacité de l'artiste à exprimer ses émotions et à utiliser la couleur pour transmettre des sentiments profonds.
Au musée Picasso de Paris, les œuvres de la période bleue sont exposées, comme son autoportrait de 1901, offrant aux visiteurs l'occasion de découvrir la sensibilité et l'expression émotionnelle de l'artiste pendantl'artiste pendant cette période de sa vie. C'est une occasion unique d'explorer l'évolution de son style et de sa vision artistique.
La période rose au Musée Picasso de Paris est une période importante dans la vie et l'œuvre de l'artiste. Elle constitue la deuxième étape de sa production artistique, succédant à sa période bleue .
La période rose tire son nom de la teinte dominante des tableaux de Picasso à cette époque. Elle se caractérise par des thèmes plus joyeux et légers, mettant en scène des clowns, des arlequins et des artistes de cirque, représentés dans des tons vifs de rouge, d'orange, de rose et de tons terreux .
A cette époque, Picasso s'est installé au Bateau-Lavoir à Montmartre, où il fréquente des poètes et des écrivains bohèmes. Sa rencontre avec Fernande Olivier, sa muse et sa compagne, a une influence significative sur son travail. Picasso retrouve alors le goût de la vie et oriente sa palette chromatique vers des tons plus chauds et roses. Ses œuvres sont alors empreintes d'une atmosphère festive et mettent en avant des personnages de saltimbanques. De ce nouveau mouvement dans la carrière de l’artiste, le musée Picasso expose "La famille de saltimbanques", le "Garçon à la pipe" et "L'Acrobate à la boule".
La période rose marque également le début des expérimentations stylistiques de Picasso avec le primitivisme, influencé par la sculpture ibérique préromaine, l'art océanien et africain. Cela le mène à sa période africaine en 1907 et à la création de l'œuvre majeure "Les Demoiselles d'Avignon" considérée comme un chef-d'œuvre proto-cubiste.
Ainsi, la période rose au Musée Picasso de Paris est une transition dans le travail de Picasso, pendant laquelle il abandonne les teintes froides de sa période bleue pour explorer des thèmes plus lumineux et des couleurs chaudes, préfigurant les développements ultérieurs de l'art moderne.
La période cubiste ou géométrique de Picasso est un moment clé dans l'histoire de l'art. Le cubisme, l'un des mouvements artistiques les plus connus du 20ème siècle, est né de la collaboration entre Pablo Picasso et Georges Braque. Picasso, fortement influencé par Paul Cézanne et les arts africains, s'est lancé dans cette voie après une réflexion approfondie.
Les prémices du cubisme peuvent être retracées dans l'œuvre emblématique de Picasso : "Les Demoiselles d'Avignon (Museum of Modern Art, New York). Avignon est le nom de la rue de Barcelone (Carrer d'Avinyó), sa ville d'origine, où se trouvait un bordel. Cette peinture, réalisée en 1907, choqua le public de l'époque en raison de sa représentation frontale de prostituées et de son traitement pictural innovant. Les visages des figures sont de face tandis que les nez sont de profil, ce qui modifie la perspective traditionnelle. Les corps sont déformés et stylisés, montrant déjà une volonté de géométriser la réalité et les modèles.
Parallèlement, Picasso s’inspire également de l'œuvre de Paul Cézanne, qui préconisait une approche géométrique dans la représentation des formes, en suivant à la lettre la leçon de géométrisation des volumes de son aîné : traitant la nature par le cylindre, la sphère et le cône.
En novembre 1907, Picasso rencontre Georges Braque, grâce à Guillaume Apollinaire. Braque, qui appartenait au mouvement fauviste, est stupéfait par Les “Demoiselles d'Avignon" et exprime son étonnement à Picasso. Cette rencontre marqua le début d'une collaboration étroite entre les deux artistes. Ils expérimentèrent ensemble de nouvelles approches artistiques, explorant les formes géométriques, la fragmentation et la déconstruction des objets dans leurs peintures. Le cubisme était né.
Le Musée Picasso de Paris abrite une collection importante d'œuvres cubistes, offrant aux visiteurs l'opportunité de découvrir et d'apprécier l'évolution de ce style au fil des années. Les tableaux cubistes de Picasso et Braque sont caractérisés par une représentation simultanée de différents points de vue, des formes géométriques, des facettes et des surfaces planes. Ils ont repoussé les limites de la représentation traditionnelle et ont ouvert la voie à de nouvelles formes d'expression artistique.
En explorant la période cubiste au Musée Picasso de Paris, chacun peut plonger dans l'univers créatif révolutionnaire de l’artiste avant-gardiste et de ses contemporains, apprécier les œuvres qui ont marqué un tournant majeur dans l'histoire de l'art, influençant de nombreux artistes par la suite. Le cubisme a ouvert la voie à de nouvelles perspectives et a redéfini la manière dont nous percevons et représentons le monde qui nous entoure.
La période ingresque et classique (1918-1925) de Picasso est un moment important dans l’oeuvre de l’artiste, durant lequel il explore des styles et des thèmes inspirés des maîtres anciens, notamment Jean-Auguste-Dominique Ingres. Cette période se distingue par un retour à des formes plus classiques et une réinterprétation des techniques traditionnelles.
Après avoir expérimenté avec le cubisme et d'autres mouvements artistiques novateurs, Picasso ressent le besoin de revenir à des approches plus classiques de l'art. Durant cette période, il étudie attentivement les œuvres d'Ingres, un peintre néoclassique du XIXe siècle, et s’ inspire de sa maîtrise technique, de ses compositions équilibrées et de son sens du détail. Picasso crée alors des portraits et des nus qui reflètent une influence claire d'Ingres. Il utilise des lignes fluides, des contours définis et une palette de couleurs plus douces, s'éloignant ainsi des tons vifs et de la fragmentation cubiste. Les compositions sont souvent plus équilibrées et harmonieuses, mettant en valeur la grâce et l'élégance des sujets.
L'une des œuvres emblématiques de cette période est la série “Les Femmes d'Alger" (Version O), réalisée en 1955. Il existe 15 versions dans cette série, numérotées de A à O. Ce tableau rend hommage à Ingres tout en montrant la capacité de Picasso à fusionner différentes influences et styles artistiques. Il capture la beauté et le mystère des femmes dans un style qui rappelle à la fois le classicisme et l'audace de Picasso lui-même.
La période ingresque et classique de Paris témoigne de l'évolution de l'artiste et de sa volonté de se réinventer constamment. Bien qu'il soit célèbre pour ses contributions au cubisme et à d'autres mouvements modernes, cette période démontre sa polyvalence et sa capacité à s'inspirer des grands maîtres de l'histoire de l'art.
La période surréaliste (1924-1939) de Picasso est marquée par l'évolution artistique de l' artiste et sa relation avec le mouvement surréaliste. À partir de 1924, Picasso s'est progressivement tourné vers un art associé au surréalisme, influencé notamment par le poète et écrivain André Breton, le chef de file du mouvement.
André Breton, admirateur de Picasso, a vu dans le cubisme une volonté de l'artiste de se libérer de la représentation figurative classique en peinture. Breton et Picasso se sont rencontrés en 1918 et ont continué à collaborer après la mort de leur ami commun, Guillaume Apollinaire. En 1924, Breton conseille à Jacques Doucet d'acquérir "Les Demoiselles d'Avignon", démontrant son soutien constant envers Picasso.
Cette même année , Picasso produit des natures mortes cubistes et décoratives, marquant un tournant dans son travail. Son assemblage en métal peint intitulé "Guitare" est reproduit dans le premier numéro de "La Révolution Surréaliste" et associé à un texte poétique de Pierre Reverdy.
Le soutien des surréalistes, notamment celui d'André Breton, est crucial pour Picasso pendant cette période. Les œuvres de l’artiste sont régulièrement éditées dans la revue "La Révolution Surréaliste”. Cette relation entre Picasso et les surréalistes a contribué à façonner l'évolution de l'artiste et a marqué une étape importante dans le mouvement surréaliste lui-même.
Ainsi, la période surréaliste du musée Picasso de Paris met en lumière l'influence réciproque entre Picasso et le mouvement surréaliste, ainsi que le rôle déterminant d'André Breton dans cette relation artistique.
Picasso et les collages sont étroitement liés dans l'histoire de l'art. L'artiste a joué un rôle essentiel dans le développement et l'innovation de cette technique artistique. Les collages sont des compositions artistiques réalisées en assemblant différents matériaux, tels que des morceaux de papier, des photographies, des tissus ou d'autres objets, sur une surface plane. Picasso a introduit les collages dans son travail vers le début du XXe siècle, période marquée par le mouvement cubiste. Le cubisme est un mouvement artistique novateur qui cherche à représenter les objets et les formes d'une manière différente de la perspective traditionnelle. Picasso, en collaboration avec Georges Braque, a exploré les possibilités de représenter la réalité en décomposant les formes et en les reconstruisant sous de multiples angles.
L'utilisation du collage est devenue un élément clé du cubisme synthétique, une phase ultérieure du cubisme développée par Picasso et Braque. Le cubisme synthétique se caractérise par l'utilisation de fragments d'objets réels, collés sur la toile pour créer une image. Cette technique permet aux artistes de représenter simultanément différents aspects d'un objet ou d'une scène.
Picasso est connu pour sa capacité à expérimenter et à repousser les limites de l'art. Il utilisait fréquemment des éléments de collage dans ses peintures pour ajouter de la texture, de la profondeur et des significations multiples à ses œuvres. Ses collages incorporent souvent des morceaux de journaux, de la ficelle, du papier découpé et d'autres objets trouvés, créant ainsi des compositions visuelles riches en associations et en contrastes.
L'influence de Picasso sur les collages s'est répandue bien au-delà de son propre travail. Son exploration de cette technique a ouvert de nouvelles possibilités pour de nombreux autres artistes. Les collages sont devenus un moyen d'expression populaire et ont influencé des mouvements artistiques ultérieurs tels que le surréalisme, le dadaïsme et le pop art.
La sculpture occupe une place importante dans la vie artistique de Picasso, et il a expérimenté divers matériaux et techniques pour créer des œuvres tridimensionnelles uniques. Parmi ses sculptures les plus célèbres, on trouve "Tête de femme" (1909) en bronze, qui présente des formes cubistes caractéristiques, et "Buste de femme" (1931) en marbre, qui reflète son intérêt pour le classicisme.
Au cours de sa carrière, Picasso a également créé des sculptures en bois, en métal et en céramique. Ses sculptures témoignent de sa capacité à capturer des formes abstraites et à exprimer des émotions à travers des lignes et des volumes. Il a souvent utilisé des éléments de déconstruction et de réassemblage pour créer des compositions originales et innovantes.
L'une des périodes les plus remarquables de la sculpture de Picasso est son exploration du style cubiste. Le cubisme était un mouvement artistique novateur qui remettait en question la représentation traditionnelle de la forme et de l'espace. Picasso a appliqué les principes du cubisme à ses sculptures, créant des formes géométriques et fragmentées qui défient les conventions artistiques de l'époque.
En plus de ses sculptures autonomes, Picasso a également réalisé des sculptures en lien avec ses autres médiums artistiques. Par exemple, il a créé des sculptures en céramique qui sont souvent inspirées de ses peintures et de ses dessins. Ces sculptures en céramique sont, pour la plupart, décoratives et expérimentales, témoignant de l'approche polyvalente et innovante de Picasso dans son travail artistique.
Picasso a créé une collection époustouflante d'œuvres céramiques originales. Inspiré par une visite à Vallauris, en France, où il découvre les céramiques produites par l'Atelier Madoura, Picasso se passionne pour cet art et commence à explorer les possibilités créatives offertes par la céramique.
Picasso est toujours en quête de nouveaux horizons artistiques à explorer. Sa rencontre avec les céramiques de Madoura marque le début d'un nouveau chapitre dans sa carrière artistique.
La céramique offrait à Picasso de nouvelles possibilités d'expression. Au départ, il créa des objets utilitaires simples tels que des assiettes et des bols, mais il se lança rapidement dans la réalisation de formes plus complexes, telles que des pichets et des vases. Il expérimenta différentes techniques céramiques, explorant la peinture, la forme et la gravure sur la surface de l'argile.
Au fil de sa carrière, Picasso conçoit 633 éditions céramiques différentes entre 1947 et 1971, chacune comportant des variantes et des pièces uniques. Certaines de ses œuvres céramiques atteignent aujourd'hui des prix très élevés aux enchères, ce qui en fait à la fois des investissements artistiques et des objets de collection appréciés.
Chaque céramique réalisée par Picasso porte une marque ou un cachet, généralement situé au verso de l'œuvre. Ces marques peuvent varier d'une édition à l'autre et ont évolué au fil du temps. Les marques les plus courantes incluent "Madoura Plein Feu", "Empreinte Originale de Picasso" et "Edition Picasso".
L'exploration de la céramique par Picasso a donné naissance à une vaste collection d'œuvres d'art uniques. Ses céramiques se distinguent par leur originalité, leur inventivité et leur contribution au développement de l'art de la céramique au XXème siècle. Aujourd'hui, les œuvres céramiques de Picasso continuent d'attirer l'admiration et l'intérêt des collectionneurs et des amateurs d'art du monde entier. Elles témoignent de la polyvalence et de l'innovation constante de cet artiste prolifique, qui a su repousser les limites de l'expression artistique à travers différents médiums, y compris la céramique.
Et en exclusivité avec Whart,
toutes les clefs, tous les repères pour mieux vous situer :
recevez gratuitement le livre blanc Whart :
Télécharger
